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Arrangiamento Strutturale e Armonico delle Canzoni

Propedeutica all'Arrangiamento Musicale
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Prima di penetrare nel significato dell'arrangiamento, vorrei prendervi un secondo per sottolineare l'importanza dell'arrangiamento. L'arrangiamento tende un ponte sopra il vuoto che si forma tra il momento della composizione e quello del mix. Ok, datemi solo un momento e mi spiegherò meglio.

L'arrangiamento si riferisce all'organizzazione di ogni aspetto di una canzone. Una canzone può essere organizzata in diversi modi , rimanendo pur sempre la stessa canzone. l'arrangiamento è semplicemente il modo in cui la canzone viene "consegnata" al pubblico. Se ci sono differenti modi di pensare l'arrangiamento di una canzone, in questo articolo, voglio parlare spcificamente di tra aspetti: arrangiamento armonico, arrangiamento strutturale, e la progressione.

Arrangiamento Armonico

L'arrangiamento armonico è l'organizzazione degli strumenti e dei rispettivi ruoli armonici o melodici. L'idea sarebbe quella di costruire un'immagine sonora utilizzando il timbro naturale dei suoni nella canzone. Per esempio, hai un flauto ch suona una parte, o una chitarra? Qual è il voicing dei diversi strumenti, e quale effetto hanno sull'ascoltatore? Questa scelta deve essere fatta dall'arrangiatore o dal produttore - no ci sono scelte "giuste" o "sbagliate", ma ecco a voi delle idee: timbri armonicamente densi come fisarmoniche, organi, archi, etc., occupano un sacco di spazio. Due semplici modi per lavorare con questi suoni così ricchi:

  1. Fai in modo che facciano parti semplici coincidenti con il movimento melodico principale. E' un buon modo per aggiungere una certa completezza al suono, e variare la progressione. Per esempio, ci potrebbero essere il tema principale accompagnato dal basso durante la prima parte della strofa, e degli archi potrebbero entrare sulla seconda parte facendo qualcosa di semplice e fondamentale. Questo manterrebbe la tensione nella strofa senza causare cambiamenti drammatici.

  2. Li gestisci come elemento principale con poche altre parti armoniche contemporaneamente. Mettere una fisarmonica in fronte e centrale si mangerà un sacco di spazio. Per conservare nitidezza, puoi mantenerla in primo piano allontanando il resto del mix, che, tra archi, bassi, ritmica e voci, sicuramente non suonerà vuoto né troppo rarefatto.

Al contrario, potresti anche decidere di seguire l'idea del "Wall of Sound", nel quale si muovono masse di dense parti armoniche mischiandole, schiaffandole poi dietro gli strumenti guida. Questa scelta crea una tavolozza armonica molto densa, ma bisogna scendere a compromessi per quel che riguarda la nitidezza degli elementi principali.Se l'arrangiamento armonico non è ben pensato, bisogna ricorrere a un uso massiccio dell'EQ per fare in modo che gli strumenti siano sentiti correttamente. I suoni aperti come i flauti, i clarinetti , i synth 'sine wave', o anche gli strumenti con timbro medio, come piano o trombe funzionano differentemente. Si possono creare contrappunti ben più elaborati - ma ricordati di queste due linee guida.

 

  1. Separazione. SIstema le cose per quanto riguarda la tonalità e l'armonia delle linee  melodiche - se hai un contrappunto  che lavora nello stesso range di note, perdi la nitidezza non solo degli strumenti, ma anche delle linee armoniche. Separa le note in diversi range e immediatamente avrai linee armoniche e dinamiche che possono essere introdotte o fatte scomparirenel corso della canzone, sviluppare e aggiungere profondità alla progressione. Il beneficio in termini di EQ è cghe non dovrai lavorare molto sul mix in quanto già ogni strumento occupa uno spazio definito in termini di frequenza..

  2. Sovrapposizione. Puoi sempre assegnare alla stesso "ruolo" multpili strumenti, crando uno strumento ibrido. uno dei mie trucchi preferiti consiste nel raddoppiare una chirtarra ritmica con un violoncello. Gli armonici sono potenti - più forti di una semplice raddoppio di chitarra ( secondo me) . Il trucco nel mix è quello di blendare al megli o i diversi timbri.

Arrangiamento Strutturale

L'arrangiamento strutturale è l'ordione n el quale le diverse sezioni si susseguono, e si relazionano. L'arrangiamento strutturale si bassa sull'idea di sezione. Le sezioni sono parti indipendenti di una canzone che però si relazionano con le altre sezioni. Le sezioni più comuni sono:

 

Intro - Porta la canzone a esistere, dal silenzio.

 

Ritornello/Chorus - Questa è la parte della canzone che si ripete.

 

Hook - L'hook ('unicino') è la parte del pezzo che dovrebbe attirare l'attenzione dell'ascoltatore e fissarglisi in testa. Il ritornello è spesso l'uncino ma ce ne possono essere molti nella stessa canzone.

 

Pre-Chorus - il pre chorus arriva prima del reprise/chorus. è utilizzato come un segmento che riesce a costruire tensione prima che cominci il chorus. Un pre-chorus che faccia il suo dovere fa spesso la differenza tra un compositore dilettante e un professionista. between a pro song writer and a novice song writer.


Strofa
- La strofa è la sezione concettualmente opposta al ritornello. E' un modo per esplorare e sviluppare le idee presenti nella canzone, che infine andranno a culminare nel ritornello, aiutando in questo modo la variazione  e lo sviluppo.

 

Bridge - il bridge è un segmento di transizione che sposta il pezzo da una sezione all'altra. Se tecnicamente un pre-chorus è un bridgge, spesso un bridge è pensato come un pezzo che lega insieme due sezioni molto simili. In altre parole, un pre-chorus porta la strofa al ritornello. un bridge può portare il ritornello verso un altro ritornello, o una strofa verso un 'altra strofa. E' un modo per rinvigorire una sezione che si ripete.

 

Outro - RIporta la canzone al silenzio. Gli arrangiamenti strutturali sono per metà istinto e per l'altra tecnica. Molte volte, le canzoni non sono scritte linearmente - abbiamo un'idea e decidiamo se è una strofa , o un chorus. Poi troviamo una parte che completa la prima in qualche modo, e queta diventa la nostrta sezione principale. Poi dobbiamo capire in che modo i due pezzi si connettono l'uno all'altro, se c'è energia tra i due o se c'è bisogno di qualcosa che colleghi e introduca il secondo pezzo rispetto al primo.

 

Progressione

Se la struttura è il macro arrangiamento della canzone, la progressione è l'arrangiamento passo a passo. Questo riferito alla variazione entro la sezione - l'inserimento subitaneo di strumenti o la loro eliminazione, larghe cadenze o i momenti in cui gli strumenti entrano contemporaneamente, tutto questo aggiunge tensione e fornisce spinta al pezzo. In una canzone è fondamentale la dinamica, altrimenti tutto rischia di suonare monotono anche all'interno della stessa sezione. Molte volte le strofe sono più aperte e meno energiche rispetto al ritornello/chorus - abbiamo bisogno così di un diverso tipo di energia, non solo quella armonica, ma anche quella dinamica - il cambiamento in diversi momenti - il fattore temporale. Se ascolti attentamente una canzone ti accorgerai che ogni istante ha una sua unicità. Molte volte sottile, dipendente dalla performance.  Spesso sarà una piccolissima variazione della melodia, delle armonie, degli strumenti, del ritmo. L'idea è quella di avere delle parti ripetitive che non suonino ripetitive.

Conclusione

Un arrangiamento ben pensato ti porterà a una canzone che non sembrera mai vecchia o stantia e che, praticamente, si mixa da sola. Questo permette all'intero processo di produzione di diventare più creativo. Insomma, non dimenticare di considerare timbri, progressione e struttura la prossima volta che metterai insieme la tua canzone.

 


 

Matthew Weiss è il fonico capo degli Studio E, Philadelphia, PA. Tra le recenti cllaborazioni Ronnie Spector, Uri Caine, Royce Da 5'9", e Philadelphia Slick.

 

Per altri articoli sulla registrazione, mixaggio e produzione visita The Pro Audio Files,opera di Dan Comerchero.

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